一篇文章轻松搞定《会展操作心得体会》的写作。（精选5篇）

更新日期:2026-03-04 05:12

写作核心提示：

当展览成为一张生宣，“写意”何为——评展览“三家门下转轮来”

作者：陈青青

初秋的北京画院门口人头攒动，“三家门下转轮来——齐白石与徐渭、八大山人、吴昌硕”展览在网上三日内的门票早已约空，我却被意外告知可刷身份证换票。在“博物馆热”持续升温、一票难求的当下，得知这一消息着实令人心生惊喜，我终于可以一睹中国传统绘画史上大写意“天团”的尊容。

当我细细看完整个展览，不由得有三点体会：一是内容——如何对大写意画进行清晰梳理和当代阐释？二是途径——如何有效引导观众深入地理解中国传统的“大写意精神”？三在研判——怎样尽可能全面而真实地展示在复杂历史情境中的写意变革？

“转轮”中的创造性

对“写意”概念相关的讨论由来已久，也成为总结中国艺术精神特征的经典议题。彭锋在《写意作为中华文明的标识》一文中说道，“写意”不仅可以准确地概括中国艺术的审美追求，也可与西方艺术中的“再现”“表现”和“双重性”等形成深入对话。更重要的是，在今天这个人机共生的时代，“写意”可以避免艺术的终结，开启艺术的新篇章。

此次展览为我们勾勒出了齐白石与三位大写意画家之间的传承与创新图谱，并由此得以窥见写意在“轮转”中的创作性。齐白石在他的《白石诗草》（庚午至壬申）中有这样一首诗：“青藤雪个远凡胎，老缶衰年别有才。我欲九原为走狗，三家门下转轮来。”此处“三家”，即是齐白石临习的明代徐渭（号青藤老人）、清初朱耷（字雪个、号八大山人）和近代吴昌硕（号老缶）。此次展览便是以这句诗为切入点，进而勾勒出齐白石与三位大写意画家之间传承与创新的脉络。

展览的第一单元以切片对比、传承串联的方式，呈现出四位写意大家的笔墨形态、风格题材及内在关联：徐渭笔墨酣畅淋漓，墨色轻润；八大山人乖张冷峻，简淡冲和；吴昌硕从徐渭处汲取以书入画的磅礴气魄，完成了对“徐笔”的“金石化”转译。展览还特别将禽鸟、墨花、梅荷、蔬果等不同画家的相同题材作品直接并置，供观者进行对比，不仅直观呈现了四家笔墨风格特点的微妙异同，更为观众梳理出不同历史阶段大写意绘画的发展演进与形态变革。

此次北京画院策展团队集群体之力，从全国十余家文博单位汇集了70余件（套）珍贵作品，其贡献远不止梳理了一条师承谱系，更在于以切片的方式，生动诠释了“写意”作为一种不断生发、不断更新，并回环往复的经典体系。正如齐白石所言的“转轮”，而非“转圈”，遵循着一种根本性的创作方法——一种处理主体与客体、心与物、传统与自我之关系的方法，将中国画的写意精神建构为在回溯中超越，于传承中更迭的视觉文化景观，进而在展览中凝结为“转轮”这一动态意象。

新传播叙事与“人文型”美学

近年来，传统经典古画成为了热门IP，从《千里江山图》到《富春山居图》再到《清明上河图》等，它们不仅成为展览中的重磅嘉宾，更为不同类型的艺术形式贡献了创作灵感和流量噱头。不容忽视的是，随着图像时代的发展和生活风尚的变化，艺术展览不断面临着创新性、复合性与融合性的挑战，此类传统文化艺术展览如何在大数据与全媒体的新语境中生存，更成为策划者不得不面对的跨领域、跨媒介、跨学科的多维课题。

前段时间故宫百年大展引发热议。但由于此次展览存在一些问题，比如预约机制不畅、观展动线管理混乱，“排队几小时，看画几分钟”等，没有给观众带来“被善待”的审美体验。

相比之下，同期开展的北京画院“三家门下转轮来”体量不大，却颇受好评。这不仅得益于重磅出场的传世佳作，更在于兼备学术性与问题意识的展览逻辑。它既链接了空间与观众、作品与审美，也打破了学科“壁垒”。在结尾处，展览设计了观影区，将“写意”这一抽象概念具象化呈现，辅助观众理解。此外，场馆内还设置了互动翻转墙面装置，将画家名牌与相关信息对应，清晰地呈现出齐白石等画家的师承关系及其艺术影响力。

在“人人都是自媒体”的今天，北京画院本次展览收获的好评，无疑带来了正向的网络传播效力，进一步惠及了更广泛的社会美育实践，同时，也为突破传统展陈模式提供了范式。打造更多元的展览需要融合体验、交流、生产等多重美学机制，作品质量过硬、策展思路出彩、公教互动完备、网络传播广泛，已然成为当今优秀展览的必备要素。

从切片“管窥”需警惕“谨毛失貌”

我留意到展厅中放置了一本观众留言簿，翻阅后却让我有了另一番感受。对于从事美术史研究的观众而言，也许会将更多精力放在了解四家笔墨之异同与联系上，而大部分没有专业背景的观众则乐于为四家排名，大家纷纷表示齐白石在其中像个“小学生”，水平“高下立判”。

齐白石的“我欲九原为走狗，三家门下转轮来”本是一句自谦之词，没想到今日却被与徐渭、八大、吴昌硕并置一处，上演了一场“神仙打架”的戏码。也许在同题材的画作中，齐白石的笔墨的确显得稚拙纯朴、温和敦实，远没有徐渭的恣意文气，也不似八大的冷峻高古，更不像吴昌硕的金石富丽。但事实上，齐白石的艺术蜕变背后交织着复杂的市场因素、社交网络与时代机遇，呈现出历史本身的复杂性与矛盾性。

首先，齐白石是在民间趣味转向与文人画传统局限中进行艺术突破的，将徐渭悟到的“不拘成法”的文人孤愤与生命情趣转化为一种“平民化的天真”，不仅愿做“三家”门下的“走狗”，还“喜独朱雪个（朱耷）、大涤子（石涛）、金冬心（金农）、李复堂（李鱓）、孟丽堂”等。可以看到，齐白石集百家之长，取法诸家而内化于心，才得以变革出极具个人特点的“红花墨叶”，返璞归真而得自然天趣。此外，齐白石笔下洋溢的澎湃生命力与田野乡间的温情可爱，也构成了近代大写意传统再生的现代性样本，在特殊的文化转型期完成了“传统的现代解码”。

正如展览前言中所写：将齐白石与三位前辈并峙，这样的同场PK并不真要论什么输赢，而是试图强调一个群体趣味的能量与相互的关联。就展览而言，一方面为观众打造了一个学术场域，引导观者以今人之眼，沿历史脉络对画家进行纵向对比，反复研判，从而打通深入理解中国传统绘画的有效路径；另一方面，因空间与篇幅所限，该展览还有很多维度未能展开，它将复杂的艺术史简化为一条清晰的谱系，虽利于公众理解，却可能掩盖了画家本身在艺术创作过程中的那些艰难与不确定感，容易使观者“谨微毛”而“失全貌”。

总而言之，中国画的写意精神和笔墨问题是具有厚重感的严肃命题，而这些问题往往容易被渲染得过分玄妙。对于“写意”的理解、领悟和评判确实需要有深厚的传统画学基础和实践经验，这是进入和理解写意精神的必要之举。但也正是因为过于厚重的历史积淀，无形中将很多想要学习笔墨的群体拒之门外。因此，今天我们似乎更需要以一种直观的、鲜活的、自然的形态传播这一历史课题，大众想要的不是被过度学术包装，或是姿态高高在上的展览，而是一个能愉悦审美、触动个体经验、提供良好公共美育价值的艺术空间。

从这个层面来说，“三家门下转轮来——齐白石与徐渭、八大山人、吴昌硕”不仅为我们展示了齐白石如何通过个体生命经验，在雅俗之间开辟出直指本心的艺术通途，更成为当代激活传统的良好范本：它成就了一个兼具普及性和艺术性的互联平台，不让“写意”落入小范围“话语霸权”的境况，而是成为普通大众和年轻群体理解中国画的“玄学暗号”，使每个观众都能成为参与“写意”的人，同时也成为大写意画的欣赏者和品评者。（陈青青）

来源： 艺评空间

展览作为方法：如何摆脱“看不懂”的焦虑

作者：鲍文炜 上海博物馆青年学者

艺术史家巫鸿在新近采访中提及现代人往往因缺乏图像教育而成为“视盲”，进而在进入展览、面对画作时常常发出“看不懂”的感叹；这种情况在欣赏西方绘画时似乎尤为普遍。日本国立西洋美术馆近期的展览“西方绘画，从何看起？从文艺复兴到印象派”恰可作为对这种观点的回应，显示展览不仅可以通过独立展品提供审美体验、带来智性提升，更能以其整体为观众搭建起适用于理解同类展览的框架，以及有关如何理解图像的方法论上的启发。

本次展览由美国圣地亚哥艺术博物馆和日本国立西洋美术馆联合策划，双方各呈现44件、共88件藏品，分为“文艺复兴”“巴洛克”“18世纪”“19世纪”四个章节，连缀起文艺复兴时期至19世纪末约600年来西方美术的发展历程。展览的英文标题叫“Emulation and Admiration”（效仿和赞赏）——这是两个需要主体和对象方能完成的动词，而国立西洋美术馆和圣地亚哥艺术博物馆分别作为日本和美国的机构共同呈现其欧洲艺术收藏，亦展示出一种“隔岸观火”、充满趣味的对照视角。展览前言中说：“展览旨在为观众提供最佳的理解体验与观展乐趣……希望观众能够享受通过两馆作品的并置而激发出新鲜对话。”可见“理解”“欣赏”“对话”是参观此次展览的几大关键词。

作为美国西海岸历史最悠久的艺术机构之一，圣地亚哥艺术博物馆的收藏还是首次于日本亮相。展览开头乔托和乔尔乔内的两幅画是其作品保存在北美的罕见案例，而胡安·桑切斯·科坦的静物画《榅桲、卷心菜、甜瓜和黄瓜》则是17世纪西班牙静物画的著名杰作，和苏巴朗的静物画一道，构成展览中令人难以忘怀的静谧一隅。

但在艺术作品带来的感动之外，展览的策展理念和阐释手段却在笔者心里留下更长久的涟漪。

苏珊·桑塔格曾在其名作《反对阐释》中批判西方文化中的“阐释”传统，反对总是通过挖掘艺术作品背后的隐喻和象征来替代对于作品本身的体验，将艺术简化为内容的载体，忽视了形式的感性意义。但她否定的并非阐释本身，而是将阐释作为艺术体验的终极目标。“西方绘画，从何看起？”一展的可贵之处在于，它的阐释并没有仅仅围绕着个体作品，而是着眼于展览整体而展开的；其旨在为观众的“理解”提供抓手，却并不干扰“欣赏”过程。展览中的文本是这种恰到好处的阐释的直观体现：它将“应该如何欣赏艺术？”的普遍困惑通过展览文本（甚至展览标题：“从何看起”）提到台前，而非迂回地以导览册、语音导览等可及性更低的展览二级手段进行暗示或干脆避而不谈。

一进展厅，观众就可以看到一块写着“DOKOMIRU”（即日语“从何看起”的罗马拼音）的展板，上面写着三点观展贴士：

1、请观众比较展厅内以组别形式展示的作品，寻找它们之间的异同（请观众理解并抓住展览的核心策展理念）；

2、请观众关注散布在展厅各处提示作品亮点的线索，可供进行深入探索（请观众探索感兴趣的作品）；

3、请观众在最后一个展厅回溯整个观展体验，并留下对有趣部分的感想（请观众加入互动、巩固记忆）。

在笔者看来，这三点既可被视作一种策展方法论的凝练总结，也是观众“如何看懂展览/艺术作品”的上佳答案（但一定不是唯一、“正确”的答案）。

展览首先是一种视角。没有任何展览可以、也没有必要穷尽一个问题、一段历史或一个艺术流派的全部面向与细节。因此，抓住展览的视角，也就把握了其选择和组织展品的基本逻辑。对本次展览而言，其核心视角显然是“对照”。由此出发，我们就不难理解空间中成组作品的摆放原因——策展人期待观众能够通过两家非欧洲机构的欧洲艺术收藏，对艺术史中的一些特定阶段、流派、现象有所理解，并体会两组收藏之间、不同文化之间的相互观照。当我们怀揣着在画作中寻找异同的目标，也会让观展的过程变得更有目的且充满激励。

一般博物馆/美术馆展览的文字层级，总是按前言、部分、单元、展品组或展品展开，此次展览也不例外。但在呈现形式上，它将单元、展品组和展品这三个层级的说明文字压缩入同一块展板，构成了展览中的36个小主题，例如“韦罗内塞的叙事绘画”“提香晚期的艺术风格”“法国风俗画”“布格罗的模特们”等等。相比一般展览，这种做法更加强调了展览说明文字交代背景的功能，克制了展品说明对于观众感性感受艺术作品的制约，但并不意味着作品阐释质量的削弱——部分重点作品旁，有着同样写有“DOKOMIRU”字样的圆形标牌，仅用一句再简单不过的话概括这幅作品的看点，吸引观众以此为线索细看画作并阅读展牌中的文字。

例如，乔托的画作《圣父与天使》旁写着“为什么这些画不是四方形的？”，而在展板中，策展人给出了解答：这是乔托于1328—1335年间为佛罗伦萨某座教堂绘制的祭坛画顶部部分；但在15世纪末祭坛画翻新时，这一部分被分离出来，因为带有尖顶的多联画形式不再符合文艺复兴时期对简洁造型的偏好。这种“设问-解密”式的阐释模式并不新鲜，但此次展览中，设问总是从作品的视觉重点出发，与观众的感知顺序相符；另一方面，答案没有即刻出现在问题旁边，而是在一旁墙上的展板中，延迟满足了观众寻求答案的焦虑，保护了其具身感受艺术冲击力的鲜活体验，并鼓励其先行进行猜测和思考，有助于其记忆和学习。

当然，这种做法并非毫无缺点：层级的压缩导致单块展板的文字体量在400字左右（按中文计算），普通观众也很难自主区分必读和选读信息，实际已超过一般人的注意力阈值，对观展者而言是一种耐力上的挑战。

最后，展览以观众分享自己认为展览中有趣的部分，作为展览强调趣味性的闭环。许多经典的学习理论中都强调主动回忆和复盘重构对于习得新知识的重要意义，比如提取练习效应强调主动回忆比一味被动阅读更能强化记忆；维果茨基的社会文化理论也认为复盘可以促进知识的内化（尽管其比较强调语言输出）。这不单让观众更牢固地记住观展时获取的知识和情绪的感受，也增强了展览的互动性，让观众感受到自己也是内容和意义的生产者。

综上所述，我们或许可以总结出以下有助于帮助我们“看懂展览/艺术作品”的方法：

一是阅读前言。如果展览是一篇文章，前言既是它的题眼。多花一点时间阅读前言，试着从中提炼出展览的核心理念，以此作为进入展览的线索；

二是减轻焦虑。列奥·施坦伯格在《另类准则》一书中诚实地记录了他在1958年第一次遭遇贾斯帕·约翰斯（如今已是美国最为重要的当代艺术家之一）作品时的困惑，以及他强迫自己进行思考和理解的过程，可见视觉素养的培养与挑战不仅仅发生在自认为不懂艺术的普通观众之中，我们实在无需为“看不懂”而感到羞耻和焦虑；

三是加强感受。艺术不是或至少不止是信息或知识的载体。当面对作品时（哪怕是让人觉得陌生或复杂的作品），尽量先试着不要问“这代表什么”“这是什么艺术流派”，而是回归“观看”本身，多关注“作品让我感受到什么”；即便觉得眩晕、压迫、恶心、困惑、无聊，也要相信自己真实感受的价值；

四是回溯体验。在看展后试着回忆展览中的困惑和收获，并将其进行延展。无论是通过展览中的互动还是通过其他方式进一步学习，都将深化对展览和作品的理解，真正将知识内化为自己的经验与记忆。

展览“西方绘画，从何看起？”彰显了一个简单却常被忽略的事实，即艺术的欣赏并非一个不言自明的过程，一套阐释框架将帮助人们更深刻、沉浸地进入作品或展览，而博物馆/美术馆应当通过恰当、有效的阐释为观众提供搭建这种框架的材料；而同时，观众应适当放下获取知识和信息的焦虑，在面对艺术作品时更加关注即刻的具身感受。“授人以鱼，不如授人以渔”，日本国立西洋美术馆的展览在这方面为国内博物馆/美术馆的策展带来了启发。

来源： 文汇报